Nicola Samorì: La Scomposizione della Pittura in "Flores" (2024)

Esiste un momento esatto in cui la bellezza classica incontra la sua stessa distruzione. Entrare nell'universo viscerale di Nicola Samorì significa assistere al corpo a corpo tra l'artista e la materia. Con la sua straordinaria mostra "Flores" (2024), Samorì non si limita a dipingere, ma aggredisce le superfici, squarcia la pelle dei dipinti con il bisturi e scava il marmo, la pietra e il rame per rivelarne la carne viva.

Ispirato dal mistero del sacro e dai maestri del passato, il suo lavoro si inserisce in quel sottile confine che separa la fioritura dall'appassimento, l'attesa dalla fine. Lasciatevi guidare in questo percorso sensoriale: un viaggio poetico e profondo dove ogni ferita della materia diventa una soglia di pura luce.

"Flower Function Failed" 2024

olio su rame, 90x87x3

Nicola Samorì

Fiori di rame, / la forma si frantuma / nel buio denso.

Copper wild blooms, / the classical shape shatters / in heavy dark night.

"The Repose Translate Immobile" 2024

olio su marmo rosa portoghese e agata, 20x15x3.5

Nicola Samorì

Pietra scavata, / il volto perde il nome / dentro la gemma.

Carved solid stone, / the pale face loses its name / inside the deep gem.

Antonello da Messina,

Cristo morto sorretto dagli angeli, 1476 ca.,

olio su tavola, 145 x 85 cm, Museo Correr, Venezia

Luce antica, / il corpo senza vita / sorregge il cielo.

Ancient soft light, / the body without its breath / supports the wide sky.

"Flowers Machine", 2024

olio su legno di noce, 40 x 30 x 2.5

Nicola Samorì

Vaso di fumo, / petali di corteccia / cadono lenti.

Vase filled with smoke, / petals made of raw wood / slowly falling down.

"Untitled", 2024,

olio su marmo portoghese e geode di calcite, 20 x 15 x 3.5

Nicola Samorì

Carne minerale, / la ferita brilla / di pura luce.

Mineral flesh, / the open crystal wound / shines with static light.

"Fossa del Belvedere" 2024

olio su tavola 55x100

Nicola Samorì

Massa indistinta, / ombre che si fondono / nella caverna.

Unshaped raw crowd, / deep shadows melting away / inside the dark cave.

"The Unisexual Thicket Fountain", 2024,

olio su pietra di Trani, 30 x 20 x 2

Nicola Samorì

Pietra di Trani, / il corpo nudo emerge / dal marmo rosa.

Hard ancient stone, / the naked body rises / from pale pink marble.

"TarmacGarnet Shower" 2024

olio su marmo rosa del Portogallo e quarzo nero di Castelluccio, 20x15x3.5

Nicola Samorì

Pianto di quarzo, / la tela antica si apre / sopra la roccia.

Dark quartz tear, / the classical canvas tears / open on the rock.

 

Parole viola, / la mostra apre le porte / sul corpo d'arte.

Bright purple words, / the art exhibition opens / to dark flesh dreams.

Galleria Monitor Rome Lisbon Pereto

La Carne dell'Opera: Da Antonello da Messina a Lucio Fontana

Il cuore concettuale della mostra Flores (presentata dalla galleria Monitor) affonda le sue radici in un dialogo serrato con la storia dell'arte e con l'enigma dell'incompiuto. Il critico Óscar Faria rintraccia la genesi di questa visione in un'opera precisa custodita al Museo Correr di Venezia: il Cristo morto sostenuto dagli angeli di Antonello da Messina (1476 ca.). In quel dipinto, i volti dei personaggi appaiono quasi svaniti, cancellati dal tempo o da restauri aggressivi, conferendo alla scena una dimensione spettrale. A dare vita a quel corpo sbiadito è un unico elemento: il piccolo taglio sul costato di Gesù, una ferita che svela la carne e ci ricorda la nostra natura effimera e impermanente.

È esattamente in questa ferita che si inserisce l'arte viscerale di Nicola Samorì. Se Lucio Fontana, a partire dal 1958, squarciava la tela per cercare la calma spaziale e l'infinito del cosmo, Samorì utilizza il bisturi sulla materia pittorica e sulla pietra per aprirne la pelle. È l'unico modo per visualizzare il battito cardiaco dell'opera, per guardarla nella sua carne viva e sentirne la temperatura.

L'Estetica del Fantasma e l'Attesa della Materia

Nelle opere di Flores, Samorì compie un miracolo mistico all'interno del suo studio (una chiesa sconsacrata): lavora quasi esclusivamente sulla pietra, sul marmo rosa del Portogallo e su innesti di geodi, calcite, agata e quarzo. Il corpo non compete con il mondo, ma diventa il mezzo per raggiungerne il cuore profondo, mineralizzandosi.

La sua pittura conosce ogni tecnica del passato, evocando frammenti storici che vanno dai gessi distrutti di Canova all'anatomia scorticata di Rembrandt, fino alle mutazioni di Arcimboldo. Eppure, l'opera di Samorì abita una dimensione sospesa: l'attesa della morte e il dono latente dell'oblio. Davanti al nostro sguardo i volti si mineralizzano, gli occhi si scavano e i fiori appassiscono. Ma all'improvviso, da quella stessa cavità della materia, tutto torna a sbocciare. La carne decade, ma la materia pittorica risorge, rivelando lo splendore e la sacralità della fine.

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— Daniela Scarel

Divulgatrice d'Arte | Daniela Scarel Art

Progetto Arte in Movimento

Andrea Martinelli

" Migliaia d'uomini prima di me,

Ed anche più di me carichi d'anni,

Mortalmente ferì

Il lampo d'una bocca.

Questo non è motivo

Che attenuerà il soffrire.

Ma se mi guardi con pietà,

E mi parli, si diffonde una musica,

Dimentico che brucia la ferita. "

Giuseppe Ungaretti

" Il Lampo della Bocca "

(da Dialoghi)

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Andrea Martinelli, Artista

http://www.andrea-martinelli.it

https://www.instagram.com/andrea_martinelli_studio

Ph: Gianni Berengo Gardin

Ph: Martina Jones Lombardi

Arvin Golrokh " Visione Fantastica " 2024

" Visione fantastica " , 2024, olio su tela, 220,5 x 348 cm

Arvin Golrokh, Artista

https://arvingolrokh.com

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" Il capitalismo ha preso possesso del nostro futuro. "

Mark Fisher

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"Visione fantastica" riprende, a duecento anni di distanza, un noto dipinto di Francisco Goya del 1823 col medesimo titolo.

Nella raffigurazione coesistono simultaneamente tre momenti del viaggio, della migrazione del nostro tempo segnato dal bisogno pressante di attraversare o eludere confini. Una volta superati, questi confini non fanno che disegnarne di nuovi e successivi da superare a loro volta. Figure disorientate, in una situazione di evidente disagio, sono costrette ad attraversare spazi ostili alla ricerca di un approdo migliore; ma la destinazione finale riserva uno status di sottomissione, di discriminazione razziale, di respingimento e di delusione delle aspettative di accettazione e inclusione.

Gli elementi centrali che interagiscono nella visione di insieme sono tre: la natura, lo spazio e il corpo. La natura, nel suo stato originario ma anche come ambiente modificato dall’uomo, crea un contesto irto di difficoltà e di sfide, produttivo di un disagio e di una condizione insoddisfacente. Con questo contesto il corpo umano si misura alla ricerca della possibilità di migliorare la propria condizione, attraversando uno spazio che appare come prova di un possibile riscatto, un'avventura difficile ma liberatoria. Questo spazio è tuttavia ormai interamente sottomesso al controllo attraverso l’uso politico della povertà, della paura e dell’incertezza. E infatti anche il momento finale del “viaggio” non ha nulla di appagante. Anzi, si rinnovano in ogni parte del mondo meccanismi di controllo apparentemente diversi ma con le medesime finalità: lo sfruttamento e l’alienazione di chi è costretto ad adattarsi alle regole prefissate per ritagliarsi spazi sempre più ristretti di sopravvivenza. In controluce prendono infatti forma, nel dipinto, le immagini fantasmatiche di alcuni uomini armati che presidiano l’approdo agognato per condizionarne l’accesso all’accettazione del modello sociale predefinito.

Mostra di Agostino Arrivabene " La Linea Verticale " Raccolta Lercaro 2024/2025

Omaggio a San Francesco d'Assisi 4 Ottobre

Stigmate 2024 olio su lino cm 123 x 190 (dipinto visibile alla mostra)

Agostino Arrivabene, Artista

https://www.agostinoarrivabene.it
https://www.instagram.com/agostinoarrivabene

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- La Linea Verticale -

Mostra dedicata all'Arte visionaria di Agostino Arrivabene

dal 17 Ottobre 2024 fino al 9 Marzo 2025

Raccolta Lercaro

Via Riva di Reno, 57

40122 Bologna

Tel. 051/6566211

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courtesy Primo Marella Gallery