Yuzuru Hinaiji: l'anima segreta degli animali nelle sculture in legno di recupero

Ci sono legni che hanno viaggiato a lungo, cullati dalle correnti dei fiumi e consumati dal sale del mare. Materia ferita, spezzata e apparentemente abbandonata, che sulle spiagge del Giappone trova la sua seconda vita. Attraverso la mia attività di divulgazione d'arte, vi porto alla scoperta del mondo silenzioso di Yuzuru Hinaiji (ヒナイジ ユズル).

Lo scultore giapponese non forza mai la materia grezza: la osserva, ne ascolta i nodi, le crepe e le curvature erose dal tempo. Con un intervento minimo e un rispetto sacro per la natura, l’artista applica la filosofia del mitate, scorgendo una presenza latente laddove altri vedrebbero solo un frammento inerte. È così che dalle venature e dalle cicatrici del legno fluitato emergono, fieri e magnetici, i profili di lupi, felini, creature mitologiche e fieri cervidi. Anime selvagge che riemergono dal vuoto per sussurrarci la bellezza della rinascita.

Un profilo allungato, levigato dal sale. L'orecchio asseconda la curva del legno, traducendo l'erosione del mare nell'eleganza di un levriero.

Dalle schegge selvagge della materia emerge la regalità di un ruggito. Una criniera fiera plasmata dall'impeto del vento.

Una lastra erosa sospesa nel vuoto, memoria di abissi infiniti. Il cetaceo riprende il suo viaggio, planando tra correnti invisibili.

Uno sguardo magnetico incastonato nella corteccia. Il profilo fiero del lupo si protegge sotto il manto ruvido del tempo.

Un'estensione che cerca il cielo, una tensione pura della materia. L'essenziale racchiuso nella linea sinuosa di un ramo eroso.

Presenze scoperte che dialogano tra loro nello spazio. Frammenti di natura che trasformano la stanza in una stanza delle meraviglie contemporanea.

Linee flessuose e profonde che assecondano l'oscurità del legno. Un'eleganza silenziosa che scivola sull'acqua del tempo.

Il profilo indomito della corsa impresso nei nodi duri del tronco. La criniera si fonde con la materia grezza, immortalandone lo scatto.

Flessibilità felina concentrata in una torsione primordiale. Il legno fluitato imita la tensione dei muscoli prima dello scatto.

Le radici contorte danno vita al mito. Tratti sottili e maestosi risvegliano una creatura leggendaria rimasta nascosta nel profondo del bosco.

Volume solido e contorni morbidi. La figura protettiva dell'orso emerge rispettando la densità e la maestosità della corteccia originale.

La fierezza incontra lo spettatore faccia a faccia. Una presenza magnetica custodita in un blocco di legno modellato dai fiumi.

Un'altra prospettiva rivela la fluidità del corpo. Il movimento del cetaceo sembra imitare la dinamica stessa delle onde che hanno levigato il legno.

Ali spiegate e artigli pronti a ghermire il vuoto. La forza del rapace si libera assecondando le spaccature naturali e affilate del tronco.

Energia cinetica cristallizzata nel legno. La torsione asseconda la venatura viva, sollevando la scultura in un impeto di pura libertà.

Le linee si fanno minimali ed essenziali. Il profilo netto della balena mette in risalto il vuoto profondo e ancestrale che porta nel petto.

Una testa nobile coronata da ramificazioni delicate. L'eleganza del cervide si fonde simbioticamente con le venature e i segni lasciati dall'acqua.

L'ala si eleva seguendo l'andamento verticale del tronco originario. Un equilibrio perfetto tra l'astrazione della materia e la forma animale.

Una lastra di legno marino si trasforma in un maestoso palco asimmetrico. La forza rude della foresta condensata in un unico frammento di tempo.

La materia inerte sposa la vita che rinasce. Dal profilo intagliato del rapace spuntano rami gemmati reali, sancendo la fusione totale con la natura.

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Le sculture di Yuzuru Hinaiji non nascono dal nulla: sono presenze scoperte. Ogni frammento di legno galleggiante ha già vissuto una sua vita intera, plasmato dalle montagne, dalle onde e dal vento. L'artista si mette semplicemente in ascolto di queste tracce del tempo, rifiutando di scolpire troppo. C'è una fiducia sacra e silenziosa nelle forme che la natura ha già disegnato; l'intervento dell'uomo è minimo, sottile, essenziale, volto solo a risvegliare una memoria selvaggia rimasta latente tra le venature.

Muovendoci lungo il confine ambiguo tra la materia grezza e l'animale, ci accorgiamo che il legno alla deriva è una pura condensazione di tempo che torna a respirare. Una metamorfosi che non cancella il passato, ma ne fa emergere l'anima profonda.

Divulgazione d'arte a cura di Daniela Scarel.

Concetti e note biografiche estratti dalle fonti ufficiali di Yuzuru Hinaiji.

Sito Ufficiale Artista 

https://hinaiji-sculpture.jimdosite.com

Peter Mandl: Sculture di Cristallo dove la Luce diventa Anima

 

Esistono sculture che non occupano semplicemente uno spazio, ma lo creano attraverso il riflesso. Nel panorama dell'arte contemporanea internazionale, l'opera del maestro svedese Peter Mandl si distingue come una delle più pure e ipnotiche celebrazioni del vetro e dell'arte simbolica figurativa. Seguo il suo lavoro da moltissimi anni e custodire nel mio atelier un suo catalogo ufficiale, impreziosito da una dedica così intima e personale, è un privilegio che tocca le corde più profonde della mia anima di divulgatrice.

Esplorando questa prima selezione di opere, ci si ritrova immersi in un autentico labirinto di trasparenze e bagliori nordici. La maestria di Peter Mandl risiede nella sua capacità primordiale di modellare il cristallo molato come se fosse materia fluida, imprigionando la luce del nord all'interno di volumi geometrici perfetti e silhouette sinuose che richiamano la figura umana. Ogni scultura diventa così un simbolo vivente, un punto di incontro tra la solidità del vetro massiccio e l'eterea trasparenza dell'infinito.

Silhouette di Luce — Scultura in cristallo molato. La purezza trasparente del materiale cattura i riflessi circostanti, trasformando la luce in una forma fluida che evoca l'eleganza archetipica del corpo umano.

Anima di Cristallo — Opera figurativa in vetro massiccio. Una colonna vitrea slanciata che brilla nell'oscurità, simbolo senza tempo di spiritualità e ascesa verticale attraverso la modulazione del volume.

Eclissi Geometrica — Cristallo molato e specchiato. Una scomposizione sferica perfetta dove il trasparente incontra la densità del nero, creando un ipnotico contrasto prospettico.

Anima Blu — Cristallo molato a foro centrale. Una lacrima di oceano svedese imprigionata nel vetro, simbolo di introspezione profonda e di un silenzio che vibra di sfumature marine.

Nucleo di Luce — Sfera in cristallo bicolore. I riflessi cerulei si fondono nel cuore della scultura, evocando la trasparenza ghiacciata dei paesaggi nordici e l'eterno mistero della bellezza eterea.

Alchimia d'Ambra — Cristallo molato a fessura. Le tonalità calde dell'oro e della terra si riflettono nella concavità dell'opera, custode di ombre dinamiche e calore solare.

Flusso di Fuoco — Opera simbolica concava. Una doppia curvatura che imprigiona sfumature incendiarie, punto d'incontro ideale tra la rigidità della materia e la fluidità del vento.

Bagliore d'Ambra — Cristallo molato lucido. Una colonna di luce calda che si avvita verso l'alto, dove lo spessore del vetro crea sfumature che vanno dall'ambra trasparente al bruno profondo, come una fiamma cristallizzata.

Canto dell'Onda — Opera in cristallo scolpito. I profili frastagliati e le curve asimmetriche catturano la spuma e il movimento caotico e vitale dell'acqua, trasformando il vetro in un flusso marino in perenne movimento.

Ninfa del Nord — Cristallo molato satinato blu. Una splendida silhouette figurativa dove la superficie opaca evoca la texture del ghiaccio polare, mentre le linee sinuose disegnano il profilo di una figura avvolta nel vento.

Riflesso di Smeraldo — Scultura figurativa in cristallo traslucido. Le delicate trasparenze verdi e i finissimi giochi di luce interni delineano una figura slanciata e misteriosa, simbolo di una natura ancestrale che si fa corpo.

Luce del Nord — Una veduta suggestiva all'interno dello studio dell'artista, dove le silhouette in cristallo azzurrato e satinato dialogano direttamente con la luce naturale che filtra dalle grandi vetrate. Un'esposizione intima che mostra come la trasparenza del vetro assorba e rifletta l'atmosfera e i colori del paesaggio svedese circostante.

Peter Mandl

Sito ufficiale Artista: https://www.petermandl.com

Nelle sfere bicolore, negli intagli concavi specchiati e nelle morbide curve che evocano il movimento del vento e del mare, il cristallo cessa di essere un materiale inerte. Diventa uno specchio dell'anima, un custode di ombre dinamiche e nuclei azzurri, ambra e oro che vibrano a seconda della luce che li attraversa. Un viaggio sensoriale dove la purezza della forma incontra l'eterno mistero della bellezza ancestrale.

Daniela Scarel — Promotrice e Divulgatrice d'Arte

Silenzi di brina e trame d'oro: l'evoluzione del Nihonga di Yoshie Tachiki

Esistono sguardi capaci di ridefinire il legame tra l'istante e l'eterno. A distanza di tempo dal nostro primo incontro con la sua arte, l'evoluzione pittorica di Yoshie Tachiki ci conduce oggi in un territorio ancora più intimo e silenzioso. Attraverso la secolare lente della pittura tradizionale Nihonga, le sue nuove opere botaniche celebrano la sacralità della natura spontanea, trasformando la materia minerale in pura poesia visiva.

Calici di penombra e linfa viola: la notte accoglie il sommesso e segreto fiorire della terra.

La sublime fragilità del tempo: un fitto ricamo di foglie erose celebra la fiera transizione della terra.

I diari d'atelier e l'alchimia degli iwa-enogu

Nelle note d'atelier che l'artista condivide nel suo percorso di ricerca, emerge una profonda e costante osservazione del quotidiano. Passeggiando lungo le strade, Yoshie Tachiki cattura con gli occhi le sfumature della vita — dalle luci di un tramonto teatrale fino ai dettagli cromatici degli abiti dei passanti — per poi interiorizzarle e trasferirle sulla carta washi.

Questa straordinaria sensibilità si traduce in una tavolozza in cui i preziosi iwa-enogu (pigmenti minerali naturali ricavati dalla frantumazione delle rocce) dialogano con la foglia d'oro e d'argento. Nelle composizioni più recenti, la rigida scomposizione geometrica lascia spazio a un fluire asimmetrico e naturale. Ne sono un esempio i suoi intensi notturni: nel magistrale studio dedicato ai narcisi, la Tachiki rinuncia alla vivacità del colore per rifugiarsi in una sinfonia monocromatica. I bianchi puri e le granulosità argentee si depositano sugli steli come brina notturna, emergendo dal vuoto di un fondo nero assoluto. È la piena celebrazione dell'estetica wabi-sabi, dove l'imperfezione di una foglia erosa dal tempo e la fragilità di un petalo diventano monumenti immortali.

Un labirinto di rami e riflessi dorati, dove ogni venatura trattiene la memoria invisibile del bosco.

Bagliori di gesso e anime d'argento: i narcisi rompono l'oscurità come un silenzioso annuncio di primavera.

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Artista: Yoshie Tachiki (立木美江)

Tecnica: Nihonga (Pittura tradizionale giapponese)

Materiali d'elezione: Pigmenti minerali naturali, foglia d'oro, carta washi artigianale

Focus: Evoluzione botanica e diari d'atelier (2025-2026)

Lasciate un commento qui sotto per condividere quale di queste nuove atmosfere, tra i silenzi argentei dei narcisi e le calde trame dorate, ha saputo toccare maggiormente la vostra sensibilità.

 

Echi di travertino e mito: la memoria del 2024 di Girolamo Ciulla a Pietrasanta

Ci sono artisti capaci di risvegliare il mito attraverso la scultura contemporanea. Girolamo Ciulla è stato il custode di questa magia arcaica: un maestro che ha saputo infondere nel travertino la solennità di divinità antiche e creature primordiali. Le sue opere esposte a Pietrasanta si trasformano in un eterno viaggio nella memoria, un respiro profondo che sfida il tempo e incanta lo sguardo.

Sguardi di travertino e custodi ancestrali: dove il mito emerge dal silenzio della pietra.

Un legame antico e primordiale, dove la terra accoglie il sonno del mito all'ombra del coccodrillo.

Un'armonia sospesa, dove l'arcaica solennità della pietra incontra le vibrazioni cromatiche della tela.

L'istinto primordiale si posa sulla geometria della storia, in un silenzioso presagio di pietra.

Una stanza di meraviglie archetipe: dove ogni scultura tesse una trama invisibile con il mito.

Creature sacre emerse dal blocco grezzo, custodi di un'era pastorale e divina che non svanisce.

Un'architettura dell'anima incisa nel tempo: la superficie scolpita si fa tempio del silenzio.

La natura si insinua tra gli spazi dell'arte, avvolgendo il lavoro creativo in un abbraccio senza tempo.

Frammenti di un racconto remoto, dove divinità danzanti e creature pacifiche riposano sulla pietra.

Sfumature di foglie e luce: le vibrazioni cromatiche di Susana Canosa dialogano con la solennità della scultura.

Le pagine custodiscono il pensiero: testimonianze impresse su carta di un incontro artistico indimenticabile.

La soglia della bellezza a Pietrasanta: dove la storica facciata di via Stagio Stagi invita a scoprire il mito.

Hanno detto di lui...

«Grande vero scultore»

– Ugo Riva, scultore

«Adoro le sculture di Girolamo Ciulla»

– Beatrice Taponecco, scultrice

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Mostra: "Respiri oltre il tempo. L'amuri è comu u ventu..."

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Mostra: "Respiri oltre il tempo. L'amuri è comu u ventu, nun si po vìdiri, ma si po sentiri"

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Artista: Girolamo Ciulla (in dialogo con le opere di Susana Canosa)

Sede: Galleria Susanna Orlando, Via Stagio Stagi 12, Pietrasanta (LU)

Periodo di memoria: Estate 2024

Curatela: Antonio D'Amico e Susanna Orlando

Fotografie: Scatti e memorie di Daniela Scarel

Lasciate un commento qui sotto per condividere i vostri pensieri su queste straordinarie opere in travertino e sulla poetica intramontabile del Maestro Ciulla.

 

Tra terra e cielo: il reportage della mostra di Giuseppe Agnello a Pietrasanta

L'Arte come Rifugio e la Ricerca dell'Abisso: la Parola a Giuseppe Agnello

Per comprendere a fondo la genesi di "Tra terra e cielo", è illuminante accostarsi al pensiero dello stesso Giuseppe Agnello, che in una recente e profonda intervista sulla rivista Gattopardo ha ridefinito il senso profondo del suo fare scultura.

Lungi dall'essere un puro esercizio estetico, la scultura per il maestro rappresenta un'esigenza vitale, un atto necessario e di forte impatto emotivo. Come egli stesso dichiara: "La scultura è stata per me da sempre un atto di trasgressione, spingendomi ad abbracciare quell’ambito dell’arte che si manifesta sotto forma di protesta, ma al contempo rappresenta un rifugio necessario". In un'epoca lacerata da conflitti e incertezze, l'artista avverte il dovere morale di non rimanere immune di fronte al mondo, perché "l’arte non può mentire, nemmeno quando si presenta sotto forma di pura bellezza".

Questa continua tensione si traduce in opere che esplorano la stratificazione profonda dell'identità e del vissuto. Il titolo stesso della rassegna evoca la coesistenza tra la nostra parte materiale – radicata, grezza e ancorata alla polvere – e quell'abisso impalpabile e invisibile che abita ciascuno di noi. Abbandonando le tendenze effimere o i linguaggi puramente provocatori, Agnello sceglie di far dialogare la figura con una forte plasticità e con elementi di memoria antica, che affondano le radici nella grande tradizione dello stucco palermitano e nella lezione di Carrara. Il risultato è un percorso espositivo che non si impone con violenza sullo spettatore, ma instaura con lui e con lo spazio circostante un dialogo intimo, sussurrato e profondamente necessario.

Opere di Giuseppe Agnello

Dalla roccia fiera,

due sagome distinte

sfidano l'ombra.

Opere di Giuseppe Agnello

Candide forme,

nel gioco della luce

l'ombra cammina.

Opere di Giuseppe Agnello

Silenti volti,

dove la luce posa

fiorisce il tempo.

Opera di Giuseppe Agnello

Creature mute,

sul candore del corpo

sosta un sussurro.

Opera di Giuseppe Agnello

Sguardo fiero,

una creatura sosta

sul freddo palmo.

Opera di Giuseppe Agnello

Occhi serrati,

nel profondo silenzio

fiorisce il sogno.

Opera di Giuseppe Agnello

Volto silente,

sul legno che fu albero

si posa il sogno.

Opera di Giuseppe Agnello

Forma silente,

nel grembo del legno

riposa il tempo.

Opera di Giuseppe Agnello

Capo inclinato,

sul candore del collo

veglia l'ascolto.

Opere di Giuseppe Agnello

Profilo chiuso,

e sulla bianca lastra

impronte vive.

Opera di Giuseppe Agnello

Volto raccolto,

nel buio della sala

la pietra sogna.

Opere di Giuseppe Agnello

Profilo austero,

nel gioco della mente

la forma tace.

Opera di Giuseppe Agnello

Due corpi eretti,

sul muro la scura ombra

cammina insieme.

Opere di Giuseppe Agnello

Foglie impresse,

sui pensieri dell'uomo

sosta l'aliante.

Opera di Giuseppe Agnello

Menti vicine,

sulle teste adagiate

spicca il volo.

Opera di Giuseppe Agnello

Cerchio perfetto,

nella terra scavata

pulsa la luna.

Opera di Giuseppe Agnello

Linfa impressa,

sul cerchio della terra

la foglia tace.

Opera di Giuseppe Agnello

Intrecci bianchi,

nel profondo rilievo

pulsa la selva.

Opere di Giuseppe Agnello

Corpi e tondi,

nel silenzio di gesso

l'universo posa.

Opera di Giuseppe Agnello

Verticali,

oltre il pensiero umano

la forma sale.

Opera di Giuseppe Agnello

Passo sospeso,

davanti all'infinito

l'anima attende.

Opera di Giuseppe Agnello

Mani levate,

sotto un carico informe

il corpo sosta.

Opere di Giuseppe Agnello, Artista

Fianco a fianco,
verso il cielo si innalza
la forma ruvida.

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Questo viaggio visivo si conclude così, con queste due figure stanti che si innalzano silenziose, fianco a fianco, proiettando i propri pensieri verso l'alto attraverso eleganti ed asimmetriche estensioni materiche. In questo frammento visivo si condensa l'intero respiro della mostra di Giuseppe Agnello: un invito a rallentare, ad accostarsi all'opera con passo leggero per ascoltarne il canto sommesso e l'intima verticalità.

"Tra terra e cielo" alla Galleria Ponzetta non è stata soltanto una rassegna da ammirare, ma uno spazio meditativo in cui l'abisso interiore di ognuno di noi ha potuto specchiarsi nel candore e nelle rugosità delle forme. Una testimonianza preziosa di come la scultura, oggi più che mai, possa farsi rifugio necessario e custode silenziosa della nostra parte più intima e spirituale.

Lascio questo spazio con gli occhi colmi di questa metamorfosi silenziosa, grata per aver potuto catturare e divulgare la bellezza di un dialogo così puro tra la materia e l'assoluto, a chiusura della splendida mostra presso la Galleria Ponzetta di Pietrasanta.

Reportage d'arte a cura di Daniela Scarel