Daniela Scarel Art

venerdì 2 ottobre 2026

L’Eterno Incanto di “Contemplazioni” (2019): La Visione di Vittorio Sgarbi a Salò

“La luce dell'arte, / sguardo che accende il mondo: / eterno incanto.”

Ci sono mostre che non si limitano a esporre opere, ma che possiedono la rara capacità di tracciare solchi profondi nella memoria di chi le attraversa. Nel 2019, l'affascinante cornice del MuSa - Museo di Salò, in provincia di Brescia, è diventata il palcoscenico di un evento espositivo straordinario: “Contemplazioni”, una mostra nata dalla sapiente e raffinata curatela di Vittorio Sgarbi.

Riguardando oggi il mio reportage fotografico di quella memorabile visita del 2019, avverto nitida la stessa emozione di allora. L'esposizione si è configurata come un dialogo intimo e visionario tra cinque maestri assoluti del panorama contemporaneo: Domenico Gnoli, Gaetano Pesce, Luigi Serafini, Agostino Arrivabene e Cesare Inzerillo.

Ingresso mostra Contemplazioni Salò 2019 curata da Vittorio Sgarbi con opera su legno fossile di Agostino Arrivabene

L'ingresso della mostra “Contemplazioni” (2019) curata da Vittorio Sgarbi al MuSa di Salò, con i nomi dei cinque maestri e l'affascinante dipinto su legno fossile di Agostino Arrivabene.

Agostino Arrivabene

Allestimento sale espositive mostra Contemplazioni Salò 2019 curata da Vittorio Sgarbi

MuSa - Museo di Salò

Agostino Arrivabene

Luigi Serafini

Cesare Inzerillo

Domenico Gnoli

Gaetano Pesce

MuSa - Museo di Salò

In un presente troppo spesso distratto, il lavoro di ricerca e sintesi operato dal Professor Vittorio Sgarbi in questa mostra rimane un punto di riferimento insostituibile. Testimonia un amore puro, viscerale e protettivo verso il nostro patrimonio e verso la capacità tutta italiana di generare meraviglia.

Circondarsi di bellezza e, soprattutto, impegnarsi nella divulgazione d'arte per condividerla con gli altri, è un atto di profonda gratitudine e di resistenza culturale. Questo articolo vuole essere un omaggio a quella scintilla che il Professore ha saputo accendere a Salò, ricordandoci quanto sia immenso lo splendore che abbiamo intorno e che abbiamo il dovere di proteggere e far ricordare.

Daniela Scarel

lunedì 28 settembre 2026

Giuseppe Agnello – Tra terra e cielo: il mio racconto fotografico alla Galleria Ponzetta di Pietrasanta

Nel cuore di Pietrasanta, storica culla della grande scultura internazionale, ho avuto il piacere di visitare e fotografare la mostra personale dello scultore Giuseppe Agnello, allestita nella splendida cornice della Galleria Ponzetta (in Via Barsanti 41).

Inquadratura frontale della scultura in bronzo di Giuseppe Agnello all'entrata della Galleria Ponzetta a Pietrasanta, scatto di Daniela Scarel

L'impatto visivo è immediato: ad accogliere i visitatori sulla soglia dello spazio espositivo si staglia una maestosa scultura bronzea. Questa figura fiera, una reinterpretazione contemporanea che richiama la solennità della statuaria classica, sembra quasi invitare i passanti a varcare il confine tra la strada e il suggestivo percorso dell'arte.

Prospettiva ravvicinata dall'ingresso della Galleria Ponzetta con travi a vista e la statua in bronzo di Giuseppe Agnello, fotografia di Daniela Scarel

Varcando la soglia, l'architettura storica della galleria accoglie le opere in un abbraccio senza tempo. Sotto il caratteristico soffitto a travi, la figura bronzea monumentale introduce a una prospettiva profonda, svelando un percorso intimo e raccolto dove la luce artificiale accarezza e modella le sculture candide esposte nelle sale retrostanti.

Scultura di busto bianco ieratico con elementi naturali e un uccello sul braccio di Giuseppe Agnello, dettagli in chiaroscuro fotografati da Daniela Scarel

Entrando nel vivo dell'esposizione, l'atmosfera si fa più densa e i chiaroscuri esaltano la texture vibrante e quasi organica delle opere. I busti antropomorfi di Agnello, candidi e ieratici, instaurano un dialogo silente tra la figura umana e gli elementi della natura. In primo piano, il corpo appare avvolto da ramificazioni e concrezioni che richiamano la terra, accompagnato dalla presenza simbolica e protettiva di una creatura del mondo animale.

Primo piano frontale della scultura bianca di Giuseppe Agnello con texture vegetali e uccello sul braccio, reportage fotografico di Daniela Scarel

Spostando lo sguardo più da vicino, emerge tutta la forza espressiva del modellato. Il volto sereno della scultura contrasta magnificamente con la complessità materica della texture che la avvolge. Le forme organiche sembrano quasi germogliare dal gesso, trasformando la figura umana in una creatura ibrida, indissolubilmente legata alle forze della terra, in un perfetto connubio tra fragilità e monumentalità.

Scultura d'arte contemporanea bianca raffigurante una figura con falco sulla testa esposta nelle sale interne della Galleria Ponzetta, foto Daniela Scarel

Proseguendo nelle sale interne della galleria, l'esposizione svela opere in cui il mondo animale e quello umano si fondono in un unico blocco materico. Su un alto basamento in pietra, la figura candida accoglie sulla sommità un maestoso rapace. La creatura alata domina la composizione con fierezza, simboleggiando quel legame spirituale e ancestrale che dà il titolo all'intera mostra, teso costantemente in un delicato equilibrio tra la pesantezza della materia terrestre e la leggerezza del volo.

Locandina ufficiale della mostra Tra terra e cielo di Giuseppe Agnello a Pietrasanta, ospitata presso la Galleria Ponzetta

Con questa carrellata di immagini ho cercato di documentare non solo la plasticità e la materia della scultura, ma anche quel senso di sospensione e sacralità che si respira camminando tra le opere. Un percorso espositivo di grande fascino che testimonia la piena maturità stilistica dell'artista.

Informazioni utili per la visita:

Mostra: “Tra terra e cielo” – Personale di Giuseppe Agnello

Periodo: Dal 5 settembre al 4 ottobre 2026

Sede: Galleria Ponzetta

Indirizzo: Via Barsanti 41, Pietrasanta (LU)

Testo e reportage fotografico a cura di Daniela Scarel Fotografie.

sabato 26 settembre 2026

L'universo arcaico di Giuseppe Agnello: sculture sospese tra carne, terra e cielo

"Alla scoperta di Giuseppe Agnello, celebre scultore siciliano e docente presso l'Accademia di Belle Arti, noto per la straordinaria forza drammatica dei suoi lavori. In questo articolo analizziamo una delle sue opere più emblematiche, una composizione figurativa che incarna la perfetta osmosi tra carne e natura, dove volti dai tratti classici e solenni si fondono con rami, radici e frammenti di carbone in una quieta e dolorosa metamorfosi."

Scultura contemporanea di Giuseppe Agnello con innesti vegetali e frammenti di carbone

Questa straordinaria opera dello scultore siciliano Giuseppe Agnello incarna la perfetta osmosi tra carne e natura, un tema cardine che attraversa l'intera produzione dell'artista.

I due volti, dai tratti classici e solenni, sembrano sul punto di riemergere o di sprofondare definitivamente nella materia grezza che li ha generati. La pelle è stratificata come roccia fossilizzata, segnata da frammenti di carbone e sedimenti scuri che affiorano sulle spalle, simboli di un'interiorità consumata e carica di memorie arcaiche. Dalle loro teste avvolte da bende di filo sottile come antichi rituali di protezione si originano rami e radici divelte, innesti vegetali che tendono verso l'alto cercando una via di fuga o un contatto spirituale tra terra e cielo.

È un'umanità immobile e vulnerabile, colta in un momento di quieta e dolorosa metamorfosi, dove il respiro dell'uomo e il battito della terra diventano la stessa identica cosa.

Giuseppe Agnello, Artista

https://www.giuseppeagnello.com

Ministero della Cultura

Ministero del Turismo

Regione Siciliana

Comune di Palermo

Arte e Musei Italia

Museitaliani

Accademia di Belle Arti di Palermo

Accademia di Belle Arti di Carrara

Dan Zollinger: il mito di Incantatrice di Milano tra sogno e penombre mistiche

"Alla scoperta di Dan Zollinger, celebre illustratore statunitense noto per la straordinaria forza evocativa delle sue opere. In questo articolo analizziamo 'Incantatrice di Milano', un'opera straordinaria in cui la bellezza della musa Gaia Cavallaro diventa un archetipo avvolto nel mistero, capace di fondere la grande tradizione figurativa d'oltreoceano con il fascino eterno della metropoli italiana."

Dan Zollinger, Incantatrice di Milano dipinto d'atmosfera con foglia d'oro

Ombre di viola e oro antico custodiscono il segreto di un volto senza tempo, mentre il silenzio si fa canto. Nel buio profondo del petto brucia una stella di pura luce, un cuore sacro che pulsa e conduce oltre i confini del sogno: si presenta così "Incantatrice di Milano", una tela digitale dove la figura eterea della musa ispiratrice, Gaia Cavallaro, diventa l'archetipo di una bellezza avvolta nel mistero e regina di un’alba mai scritta.

Questo microcosmo di penombre mistiche nasce dalla mano di Dan Zollinger, illustratore e pittore pluripremiato statunitense. Nato a Glens Falls (New York) e formatosi all'Art Institute di Pittsburgh, Zollinger ha tracciato una prestigiosa carriera partendo come storyboard artist a Madison Avenue fino a firmare le pagine del New York Times, del Washington Post e di Esquire, per poi consacrarsi nell'immaginario fantasy con le illustrazioni del bestseller "Le vite dei santi" di Leigh Bardugo.

Oggi, dalle atmosfere della sua attuale dimensione creativa nel Sud della costa americana, l’autore compie un viaggio ideale. "Incantatrice di Milano", interamente dipinta sull'applicazione digitale Procreate, diventa così il punto di convergenza perfetto tra due mondi: la sua rigorosa tradizione artistica si specchia nell'energia e nel fascino della metropoli italiana. Un ponte culturale tangibile in cui il destino e l'ispirazione si fondono, trovando linfa vitale e consacrazione nel cuore del patrimonio italiano.

Dan Zollinger, Artista

https://www.danzollinger-artist.com

Musa Ispiratrice: Gaia Cavallaro

venerdì 25 settembre 2026

Thomas Junghans: la forza primitiva e materica nella scultura contemporanea

Scultura materica in bronzo con profilo di volto umano di Thomas Junghans

Sculture verticali in bronzo e volti primordiali di Thomas Junghans

Scultura a forma di testa policroma in bronzo di Thomas Junghans

Scultura verticale in bronzo scuro con volto

Scultura in bronzo con profilo geometrico e linee incise di Thomas Junghans

Scultura frontale in bronzo policromo con volto asimmetrico di Thomas Junghans

Scultura in bronzo di Thomas Junghans di profilo su sfondo dorato

Scultura monumentale in bronzo a forma di stele con profilo inciso di Thomas Junghans

Scultura in bronzo bifacciale con profilo e superficie materica ruvida di Thomas Junghans

Scultura in bronzo materico con volto a occhi chiusi e linee incise di Thomas Junghans

Scultura in bronzo dorato lucido con volto inciso di Thomas Junghans

Scultura in bronzo di profilo classico con testa materica su piedistallo di Thomas Junghans

Scultura in legno policromo con fori e filo metallico di Thomas Junghans

Scultura stilizzata con elementi geometrici scuri e volto arcaico di Thomas Junghans

Gruppo di sculture verticali in bronzo e figure totemiche di Thomas Junghans

Scultura in bronzo materico con elementi cubisti e sfumature oro di Thomas Junghans

Scultura a testa reclinata color terracotta con incisioni di Thomas Junghans

Scultura verticale in pietra chiara o gesso con volto allungato su base in legno di Thomas Junghans

" La forza primordiale che riaffiora dal bronzo. ✨"

Ci sono opere che non si limitano a occupare lo spazio, ma lo dominano. Le sculture di Thomas Junghans fanno esattamente questo: possiedono la fiera monumentalità del mito antico e la vibrante inquietudine dell'arte contemporanea.

Nato in Germania ma artisticamente radicato nei Paesi Bassi, Junghans rifiuta la perfezione levigata. Le sue iconiche "teste" mantengono superfici ruvide, solcate e stratificate. L'artista lavora la materia guidato da un istinto misurato, fermandosi un attimo prima del superfluo per preservare l'archetipo eterno del volto umano.

Guardando queste opere, sembra di assistere a uno scavo archeologico dell'anima: forme geometriche decise, quasi cubiste, che racchiudono un silenzio ancestrale e magnetico. Una scultura densa, tattile, impossibile da dimenticare.

Un viaggio nella materia pura che interroga lo sguardo.

Thomas Junghans, Artista.

mercoledì 15 luglio 2026

Flavia Robalo: la poesia della scultura tra sogno e materia

"Alla scoperta di Flavia Robalo, straordinaria scultrice contemporanea la cui ricerca artistica scava nelle pieghe più intime dell'animo umano. Attraverso una sapiente padronanza della scultura in marmo e legno, le sue opere si muovono nel solco di un espressionismo figurativo e simbolico unico. In questo articolo esploriamo la sua poetica visiva, dove figure eteree sembrano affiorare dalla materia grezza per dare corpo ai sogni e svelare l'essenza più autentica dell'essere umano."

Scultura contemporanea di Flavia Robalo figura umana rannicchiata che emerge dalla materia

Scultura di Flavia Robalo figura alata colta in movimento all'interno dello studio

Scultura di Flavia Robalo con piccola figura umana distesa su elementi organici scolpiti

Scultura di Flavia Robalo raffigurante una bambina accanto a una figura animale sotto una luce radente

Scultura contemporanea di Flavia Robalo con figura di nudo femminile all'interno del laboratorio

Scultura di Flavia Robalo con figura umana dal volto velato immersa nella natura di un bosco

Scultura di Flavia Robalo con figura femminile stante immersa tra steli di grandi girasoli essiccati

Scultura di Flavia Robalo raffigurante una figura di bambina in movimento con rami che si sviluppano dalla testa

Scultura di Flavia Robalo con figura animale su base circolare e sfondo con la scritta artistica AMOR

Scultura di Flavia Robalo raffigurante una figura di bambina di profilo con un grande volto scuro alle sue spalle

Scultura di Flavia Robalo con figura di bambina colta in movimento che sorregge uno stormo di uccelli in volo

Scultura di Flavia Robalo raffigurante una figura umana distesa in posizione fetale che dorme su una superficie piana

Scultura di Flavia Robalo raffigurante una figura seduta con lunghi elementi ramificati che si sviluppano dalla testa

La scultrice Flavia Robalo ritratta di profilo nel suo studio mentre rifinisce una sua opera d'arte

Scultura di Flavia Robalo con figura di bambina colta in un gesto espressivo nel laboratorio dell'artista

Fotografia in bianco e nero di una scultura di Flavia Robalo raffigurante una figura con capo velato ed elementi botanici

Scultura di Flavia Robalo con figura femminile di profilo circondata da altre opere nello studio

Composizione scultorea di Flavia Robalo con due figure di bambine vicine all'interno dell'atelier

Grande opera plastica di Flavia Robalo in fase di lavorazione all'interno del laboratorio

Composizione artistica di Flavia Robalo con figura totemica stante accostata a elementi pittorici

Scultura contemporanea di Flavia Robalo con figura di bambina colta in un passo dinamico su sfondo scuro

Scultura di Flavia Robalo raffigurante una figura umana distesa in un nido sospeso su elementi ramificati

Scultura contemporanea di Flavia Robalo con figura di bambina che accoglie elementi volatili al petto

Scultura di Flavia Robalo con figura di bambina di profilo che sorregge piccole forme spiegate in volo

Scultura di Flavia Robalo con figura di bambina che avanza in equilibrio all'interno dell'atelier

Primo piano di una scultura di Flavia Robalo con figura che stringe elementi organici tra le mani

Dettaglio macro del volto di una scultura di Flavia Robalo colta in un'espressione di quiete

L'atelier della scultrice Flavia Robalo ricco di opere d'arte avvolte da una luce teatrale dalla finestra

Scultura di Flavia Robalo con figura di bambina seduta caratterizzata da superfici chiare e levigate

Dettaglio ravvicinato di una scultura di Flavia Robalo con volto dormiente e textures segnate

Inquadratura orizzontale di una scultura di Flavia Robalo con figura umana distesa nel sonno

Scultura contemporanea di Flavia Robalo raffigurante una bambina in piedi colta in una posa flessuosa

Scultura di Flavia Robalo raffigurante una figura di bambina con le mani sollevate e textures sfaccettate

Scultura di Flavia Robalo con figura in movimento che indossa un copricapo organico di rami intrecciati

Dettaglio di un'opera pittorica di Flavia Robalo raffigurante una figura distesa su un cuscino con elementi filiformi rossi

Installazione di Flavia Robalo con piccola figura umana in piedi sopra un elemento ramificato a parete

Composizione artistica di Flavia Robalo con opera plastica in primo piano e figura dipinta su sfondo scuro

Dettaglio di una scultura di Flavia Robalo con figura che osserva un piccolo personaggio con corona sulla mano

Scultura di Flavia Robalo con figura stante dalle tonalità chiare accostata a un volume sinuoso e scuro

Scultura di Flavia Robalo con due figure umane colte in una posa dinamica sospesa

Scultura contemporanea di Flavia Robalo raffigurante una figura parzialmente distesa su un cuscino

Scultura di Flavia Robalo con figura che emerge da una superficie ricca di textures geometriche

Scultura di Flavia Robalo con figura umana vista di profilo immersa in un volume lavorato a spacco

Scultura contemporanea di Flavia Robalo raffigurante una silhouette stante circondata da girasoli stilizzati

Scultura dalle tonalità candide di Flavia Robalo con figura umana distesa all'interno del laboratorio

Il silenzio e la materia: l'universo sensibile di Flavia Robalo

Le opere di Flavia Robalo nascono da un dialogo intimo e profondo con la materia. Che si tratti della fredda purezza del marmo o del calore vivo del legno, le sue figure emergono dal blocco grezzo come forme sospese nel tempo, in perfetto equilibrio tra il movimento e la quiete silenziosa.

Ogni scultura diventa una narrazione visiva che esplora le emozioni umane più profonde: la vulnerabilità, la ricerca di sé e la memoria. Le sue sagome sembrano chiudere gli occhi per guardarsi dentro, invitando chi le osserva ad abbandonare ogni maschera quotidiana per ritrovare una dimensione pura ed esistenziale. Un'arte simbolica e poetica, capace di dare corpo ai sogni e rendere tangibile l'essenza stessa dell'essere umano.

Flavia Robalo, Artista

https://www.instagram.com/flaviarobalo

“Chi biasima l'arte, biasima la natura, perché le opere dell'artista rappresentano le opere di essa natura.” – Leonardo da Vinci Benvenuti nel mio spazio. Sono Daniela Scarel, un'anima da sempre legata al mondo della creatività e custode di un diploma di Scuola d'Arte che ha educato il mio sguardo a cercare e comprendere la bellezza. Questo blog nasce dal desiderio profondo di essere promotrice e divulgatrice dell'arte contemporanea, offrendo una vetrina e una voce agli artisti che con il loro talento sanno far vibrare la materia e il silenzio. Con discrezione e profonda passione racconto storie visive, convinta che l'arte sia un ponte necessario per unire ed elevare le sensibilità di ognuno di noi.

Galleria degli Uffizi

La Galleria occupa interamente il primo e secondo piano del grande edificio costruito tra il 1560 e il 1580 su progetto di Giorgio Vasari: è uno dei musei più famosi al mondo per le sue straordinarie collezioni di sculture antiche e di pitture (dal Medioevo all'età moderna). Le raccolte di dipinti del Trecento e del Rinascimento contengono alcuni capolavori assoluti dell'arte di tutti i tempi: basti ricordare i nomi di Giotto, Simone Martini, Piero della Francesca, Beato Angelico, Filippo Lippi, Botticelli, Mantegna, Correggio, Leonardo, Raffaello, Michelangelo, Caravaggio, oltre a capolavori della pittura europea, soprattutto tedesca, olandese e fiamminga. Non meno importante nel panorama dell'arte italiana la collezione di statuaria e busti dell'antichità della famiglia Medici. La collezione abbellisce i corridoi della Galleria e comprende sculture romane antiche, copie da originali greci andati perduti.

Galleria Borghese - ITALIA

La galleria Borghese è un museo statale italiano, con sede nella villa Borghese Pinciana a Roma. Ospita tuttora gran parte della collezione d'arte iniziata da Scipione Borghese, cardinal nipote di papa Paolo V, cui si deve anche la costruzione della villa stessa. Vi sono esposte opere di Gian Lorenzo Bernini, Agnolo Bronzino, Antonio Canova, Caravaggio, Raffaello, Perugino, Lorenzo Lotto, Antonello da Messina, Cranach, Annibale Carracci, Pieter Paul Rubens, Bellini, Tiziano. Si può considerare unica al mondo per quel che riguarda il numero e l'importanza delle sculture del Bernini e delle tele del Caravaggio. È di proprietà del Ministero per i beni e le attività culturali, che dal 2014 l'ha annoverata tra gli istituti museali dotati di autonomia speciale.

The National Gallery

La National Gallery (in italiano: Galleria nazionale) di Londra, fondata nel 1824, è un museo che, nella sua sede di Trafalgar Square, ospita una ricca collezione composta da più di 2.300 dipinti di varie epoche e scuole dalla metà del XII secolo all'inizio del secolo scorso. La collezione appartiene al popolo britannico e l'ingresso alla collezione principale permanente è gratuito, anche se talvolta è richiesto il pagamento di un biglietto per accedere ad alcune mostre speciali.Inizialmente la collezione della National Gallery non era particolarmente prestigiosa; a differenza di musei come il Louvre di Parigi o del Museo del Prado di Madrid non ha avuto origine dalla nazionalizzazione di precedenti collezioni d'arte principesche o reali. Fu invece fondata quando il Governo del Regno Unito acquistò 38 dipinti dal banchiere John Julius Angerstein nel 1824. Dopo quella prima acquisizione il museo fu ampliato e migliorato soprattutto grazie all'opera dei suoi primi direttori, tra i quali si ricorda Sir Charles Lock Eastlake, e a donazioni da parte di privati, che a tutt'oggi rappresentano i due terzi della collezione.Col tempo la galleria ha raggiunto risultati straordinari, forte anche degli approfonditi studi inglesi nel campo della storia dell'arte: contando più di duemila opere esposte, ha il punto di forza nel possedere almeno un'opera di praticamente qualsiasi grande maestro europeo, dal medioevo al post-impressionismo, con una panoramica completa negli episodi salienti delle scuole italiana, fiamminga, olandese, spagnola, francese e, naturalmente, inglese. I vari contesti storico-artistici possono inoltre essere pienamente rievocati da una grande ricchezza di opere di maestri "minori" e di scuole locali.L'edificio che attualmente ospita il museo, sul lato nord di Trafalgar Square, è il terzo ad essere adibito a tale funzione e, come i suoi predecessori, è stato spesso ritenuto inadeguato. L'unica parte ad essere rimasta sostanzialmente inalterata della costruzione originale del 1832-1838 è la facciata progettata dall'architetto William Wilkins, mentre tutto il resto della struttura è stato un po' alla volta cambiato ed ampliato nel corso degli anni. Le modifiche più rilevanti sono dovute all'opera di Edward Middleton Barry e Robert Venturi. Il direttore attuale è lo storico dell'arte Gabriele Finaldi, che ha assunto l'incarico nella primavera 2015.

Serpentine Gallery - UK

Serpentine Gallery di Kensington Gardens London W2 3XA T 020 7402 6075 020 F 7402 4103 information@serpentinegallery.org - La Serpentine Gallery è una delle gallerie più amati di Londra per l'arte moderna e contemporanea. Esso attrae fino a 800.000 visitatori in un determinato anno e l'ingresso è gratuito. Nella motivazione della Galleria è un lavoro permanente dell'artista e poeta Ian Hamilton Finlay, dedicato alla Serpentine ex Patron Diana, Principessa del Galles. Il lavoro comprende otto panchine, un albero-placca, e un cerchio di pietra scolpita all'ingresso della Galleria. Nel 2013, la Serpentine Gallery aprirà il suo nuovo spazio, la Serpentine Gallery Sackler . Questo innovativo luogo di arti per il 21 ° secolo sarà ospitato nel palazzo di grado II-elencato precedentemente noto come The Magazine, situato nei giardini di Kensington.

Galleria Colonna arte moderna e contemporanea - Italia

Via Appiani 2, 22070 Appiano Gentile (CO) Tel./fax 031.930195, cell. 340.3692992 -La Galleria Colonna concentra la proprie attività di ricerca nel mondo dei nuovi talenti emergenti, sia a livello nazionale che internazionale, annoverando collaborazioni con musei, fondazioni nazionali, e curatori come Giovanni Faccenda, Marco Meneguzzo, Luca Tommasi e Francesca Porreca, riuscendo tuttavia a soddisfare le esigenze dei propri collezionisti anche sugli artisti storicizzati. Galleria Colonna è presente anche nelle più importanti fiere nazionali.

Neue Galerie New York - USA

1048 Fifth Avenue at 86th Street, New York +1 212-628-6200 - museum@neuegalerie.org -Museum for German and Austrian Art - La missione della Neue Galerie di New York è quello di raccogliere, conservare, di ricerca, e esporre arte e decorative di Germania e Austria dalla prima metà del XX secolo. La collezione del museo copre una gamma di supporti, tra dipinti, sculture, opere su carta, arti decorative, e fotografie create in Austria e in Germania tra il 1890 e il 1940. La collezione estesa Neue Galerie è composta di opere appartenenti a Ronald S. Lauder, alla Tenuta di Serge Sabarsky, e per il museo stesso. Il materiale austriaco sottolinea il particolare rapporto che esisteva a Vienna intorno al 1900 tra le belle arti e decorative. Artisti importanti nel campo delle belle arti comprendono Gustav Klimt, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Alfred Kubin, e Richard Gerstl. Arti decorative includono la Wiener Werkstätte (Vienna Workshop) ed i disegni di figure ben note come Josef Hoffmann, Koloman Moser e Dagobert Peche. Gli architetti Adolf Loos e Otto Wagner sono anche rappresentati. La collezione di arte tedesca si concentra su importanti movimenti del primo Novecento. Max Beckmann, così come gli artisti espressionista Ernst Ludwig Kirchner e Emil Nolde, ricevono particolare attenzione. Il Bauhaus è ben rappresentata, con forza nel settore delle arti decorative. Artisti di nota che sono stati affiliati con il Bauhaus includono Theodor Bogler, Marianne Brandt, Marcel Breuer, László Moholy-Nagy, Ludwig Mies van der Rohe, Oskar Schlemmer, e Wilhelm Wagenfeld. Detenzione di materiale Neue Sachlichkeit comprendono sia artisti noti e meno noti, tra cui Albert Birkle, Otto Dix, George Grosz, Karl Hubbuch, Felix Nussbaum, e Georg Scholz.

PCT Cartuja - SPAGNA

Andalusia Area di eccellenza che permette lo sviluppo e le sinergie di aziende, organizzazioni e istituzioni della ricerca scientifica e tecnologica Missione La Cartuja PCT è lo strumento che fornisce Sistema di Knowledge andalusa un'area di eccellenza, che consente lo sviluppo e la sinergia di un gruppo di aziende, organizzazioni e istituzioni nel campo della scienza e della tecnologia, che, effettuando R + D + I, favorendo lo sviluppo, la competitività e il contesto economico, culturale e sociale. La Cartuja PCT lavora ogni giorno per diventare un Parco Scientifico e tecnologico di riferimento in innovazione, qualità, sviluppo sostenibile e della responsabilità sociale all'interno della scienza in generale e parchi tecnologici a livello nazionale ed internazionale. descrizione La Cartuja PCT è il quartiere grande scientifica e tecnologica di Siviglia. Con 377 aziende e organizzazioni genera attività economica di circa 2.000 milioni di euro, pari al 10% del PIL della città. Il Parco Scientifico e Tecnologico, primo esempio internazionale di riutilizzo in un PCT di una Esposizione Universale (Expo '92 di Siviglia), genera occupazione diretta di 15.065 lavoratori.

Hammer Museum - USA

L' Hammer Museum , affiliato all'Università della California, a Los Angeles , è un museo d'arte e un centro culturale noto per la sua gamma di mostre e programmi pubblici incentrati sugli artisti e progressisti. Fondato nel 1990 dall'imprenditore-industriale Armand Hammer per ospitare la sua collezione d'arte personale, il museo da allora ha ampliato la sua portata fino a diventare "l'istituzione più alla moda e culturalmente rilevante della città". Particolarmente importanti tra le mostre acclamate dalla critica del museo sono le presentazioni di artisti contemporanei storicamente trascurati ed emergenti. L'Hammer Museum ospita inoltre oltre 300 programmi durante tutto l'anno, da conferenze, simposi e letture a concerti e proiezioni di film. A partire da febbraio 2014, le collezioni, le mostre e i programmi del museo sono completamente gratuiti per tutti i visitatori.

Palazzo Colonna - ITALIA

Galleria Colonna srl Piazza SS. Apostoli, 66 Roma Tel.: +39 06 6784350 Email: info@galleriacolonna.it -L’edificazione delle varie ali di Palazzo Colonna si è protratta per cinque secoli e ciò ha comportato la sovrapposizione di diversi stili architettonici, esterni ed interni, che lo caratterizzano e rispecchiano le diverse epoche di appartenenza. Dal 1300 al 1500 si presentava come una vera e propria fortezza di famiglia. Oddone Colonna, eletto papa l’ 11 novembre 1417 e assunto il nome di Martino V, destina il Palazzo a Sede Pontificia e vi abita dal 1420 al 1431, anno della morte. Nelle Sale austere di Palazzo Colonna, Papa Martino V pianifica e realizza in dieci anni un grande piano di rinascita culturale, urbana e amministrativa della città di Roma, che giaceva in condizioni rovinose dopo il tormentato periodo della cattività avignonese e dello scisma d’ occidente. Nel 1527, durante il sacco di Roma ad opera delle truppe dell’ Imperatore CarloV, Palazzo Colonna è tra i pochi edifici che non vengono dati alle fiamme grazie ai buoni rapporti della famiglia con l’ Impero, ma offre un rifugio sicuro ad oltre tremila cittadini romani. Nel corso del 1600, il Palazzo assume la veste di un grande palazzo barocco per volere di tre generazioni di famiglia, i cui principali esponenti sono Filippo I, il Cardinale Girolamo I e Lorenzo Onofrio, che si affidano ad architetti e artisti di grande competenza e notorietà. Prestano infatti la loro consulenza Gian Lorenzo Bernini, Antonio del Grande, Carlo Fontana, Paolo Schor e molti altri. Di quest’ epoca è anche la costruzione della splendida e maestosa Galleria Colonna, che si affaccia per 76 metri su Via IV novembre; autentico gioiello del barocco romano, è oggi visitabile al pubblico, con gli appartamenti più rappresentativi e di maggior pregio artistico del Palazzo, che ospitano le Collezioni Artistiche di famiglia, notificate e vincolate dal fidecommisso del 1800, ove si possono ammirare capolavori di eccellenza assoluta ad opera dei maggiori artisti italiani e stranieri tra il XV e il XVI secolo. Tra i tanti, Pinturicchio, Cosmè Tura, Carracci, Guido Reni, Tintoretto, Salvator Rosa, Bronzino, Guercino, Veronese, Vanvitelli e molti altri ancora. La Galleria Colonna è aperta al pubblico tutti i sabati dalle 9,00 alle 13,15 con ingresso da Via della Pilotta, 17.

Milwaukee Art Museum - USA

Il Milwaukee Art Museum raccoglie e conserva l'arte, presentando alla comunità come una fonte vitale di ispirazione e di educazione. 30.000 opere d'arte. + 350.000 visitatori l'anno. 125 anni di collezionismo d'arte. Dalle sue radici nella prima galleria d'arte di Milwaukee nel 1888, il Museo è cresciuto oggi ad essere un'icona per Milwaukee e una risorsa per l'intero stato. Il Museo di 341.000 metri quadrati comprende il War Memorial Center (1957), progettato dall'architetto finlandese-americano Eero Saarinen , il Kahler costruzione (1975) di David Kahler, e la Quadracci Padiglione (2001) creato dall'architetto spagnolo Santiago Calatrava . Centrale per la missione del museo è il suo ruolo come risorsa educativa premier, con programmi educativi che sono tra i più grandi della nazione, che coinvolge le classi, visite guidate, e un pieno calendario di eventi per tutte le età.Quattro piani di oltre quaranta gallerie d'arte sono ruotati regolarmente con opere dall'antichità al presente in vasta portata del Museo Collection. presenti in collezione sono 15 ° al 20 ° secolo europeo e del 17 ° di dipinti americani del 20 ° secolo, la scultura, stampe, disegni, arti decorative, fotografie, e folk e arte autodidatta. Tra i migliori della nazione sono in possesso del Museo di arti decorative americane, Espressionismo tedesco, folk e arte haitiana, e arte americana dopo il 1960. Il museo ospita anche una delle più grandi collezioni di opere di Wisconsin nativa Georgia O'Keeffe. Importanti artisti rappresentati sono Nardo di Cione, Francisco de Zurbarán, Jean-Honoré Fragonard, Winslow Homer, Auguste Rodin, Edgar Degas, Claude Monet, Henri de Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso, Joan Mirò, Mark Rothko, Robert Gober, e Andy Warhol . Oltre alle opere in gallerie collezione del museo, ci sono una varietà di mostre durante tutto l'anno, tra cui le tre principali sono dotate di mostre nelle gallerie Baker / Rowland del Quadracci Pavilion .

Solomon R. Guggenheim Museum - USA

5th Ave at 89th St New York 10128 Telefono +1 212-423-3500 - Fondata nel 1937, la Fondazione Solomon R. Guggenheim è dedicata a promuovere la comprensione e l'apprezzamento dell'arte, soprattutto dei periodi moderni e contemporanei, attraverso mostre, programmi educativi, iniziative di ricerca e pubblicazioni. La rete globale che ha avuto inizio nel 1970, quando il Museo Solomon R. Guggenheim, New York, si è aggiunta la Collezione Peggy Guggenheim di Venezia, si è ampliata per includere il Museo Guggenheim di Bilbao (aperto 1997), il Deutsche Guggenheim di Berlino (1997 - 2013), e il Guggenheim Abu Dhabi, attualmente in fase di sviluppo. Ogni museo costituente unisce architettura distinta con grandi opere d'arte, una tradizione che è diventato un marchio di garanzia Guggenheim. Guardando al futuro, la Fondazione Guggenheim continua a stringere collaborazioni internazionali che prendono l'arte contemporanea, l'architettura e il design al di là delle mura del museo.

Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea - ITALIA

La Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea è un museo statale italiano con sede a Roma. Custodisce la più completa collezione dedicata all'arte italiana e straniera dal XIX secolo a oggi. Tra dipinti, disegni, sculture e installazioni, le quasi 20.000 opere della raccolta sono espressione delle principali correnti artistiche degli ultimi due secoli, dal neoclassicismo all'impressionismo, dal divisionismo alle avanguardie storiche dei primi anni del Novecento, dal futurismo e surrealismo, al più cospicuo nucleo di opere di arte italiana tra gli anni ’20 e gli anni ’40, dal movimento di Novecento alla cosiddetta scuola romana, per giungere all’ultimo cinquantennio del secolo scorso. È di proprietà del Ministero per i beni e le attività culturali, che dal 2014 la ha annoverata tra gli istituti museali dotati di autonomia speciale. La seguente descrizione è riferita all'allestimento delle sale precedenti al riordino del 2016 quando gli spazi sono stati completamente rinnovati e riallestiti.

MOCA | The Museum of Contemporary Art, Los Angeles - USA

Fondata nel 1979, MOCA è l'unico museo di Los Angeles dedicato esclusivamente all'arte contemporanea. Si impegna per la raccolta, la presentazione e l'interpretazione dei lavori prodotti dal 1940 in tutti i media, e per preservare il lavoro per le generazioni future. In pochissimo tempo, MOCA ha sviluppato una delle più rinomate collezioni permanenti della nazione. Ora numerazione oltre 5.000 opere e in costante crescita, questa risorsa culturale inestimabile offre ampie opportunità per l'educazione e il divertimento di migliaia di visitatori nazionali e internazionali. Oggi il museo è ospitato in tre servizi unici:. MOCA Grand Avenue, The Geffen Contemporary at MOCA e MOCA Pacific Design Center Mission & Vision Statement La missione di MOCA è quello di essere il museo definizione di arte contemporanea. MOCA coinvolge artisti e pubblico attraverso un ambizioso programma di mostre, la raccolta, l'educazione, e la pubblicazione. MOCA identifica e sostiene l'arte più importante e impegnativa del suo tempo, la colloca in un contesto storico, e collega il campo delle arti visive alla cultura contemporanea. MOCA fornisce leadership attivamente promuovendo e presentando un nuovo lavoro, media emergenti, e borse di studio originale.